Resumen de Hamlet

 Hamlet es una obra teatral de 5 cantos escrita por William Shakespeare, en donde relata una serie de sucesos consecuencia de la muerte del Rey Hamlet, a manos de su hermano Claudio. Esta obra está marcada principalmente por tragedias. 

En los primeros cantos nos encontramos con la confusión y el enojo que siente Hamlet, quien se enfrenta a la verdad de la muerte de su padre y busca venganza. Hasta el canto III podemos ver reflejados en los monólogos y en las conversaciones de Hamlet una profunda reflexión acerca de lo que representa la muerte, lo que revela de alguna manera el trágico final. Así lo demuestra con la célebre frase “Ser o no ser”. 

En este punto de la historia Hamlet aprovecha un grupo de teatro local para desenmascarar a su tío y confirmar si la información brindada por el fantasma de su padre es cierta. 

La reacción de su tío confirma los hechos y decide tomar venganza por sus propios medios, pero al hacerlo, confunde a su tío con Polonio, consejero real y padre de su amada. Hamlet esconde su cuerpo, pero el rey Claudio se entera de lo sucedido y lo envía a inglaterra para alejarlo, al mismo tiempo que había ideado un complot con amigos de Hamlet para que este no volviera a Dinamarca. 

 La inteligencia de Hamlet le permite librarse de los intentos de su tío por matarlo pero al llegar de nuevo a Dinamarca se encuentra con otra de sus conspiraciones, esta vez junto a Laertes, hijo de Polonio. Ahora Ofelia, la mujer que amaba está muerta y Laertes busca venganza por las vidas de su hermana y su padre.  

Está obra tiene como final la muerte de todos los personajes principales, algunos por equivocación, como Gertrude, la madre de Hamlet y Polonio; y otros por venganza y enojo. Claudio y Laertes fallecen a manos de Hamlet, quien también muere tras ser herido por la espada envenenada del hermano de su amada.

El único sobreviviente de este conflicto es Horacio, quien cuenta la trágica historia y  posteriormente declara a Fortimbras, de Noruega, heredero al trono. La historia finaliza con su llegada.

Por: Emily Silva, Melanie Aubele y María Laura León

Resumen de “Sueño de una noche de verano”

Sueño de una noche de verano es una obra de cinco cantos escrita por William Shakespeare en donde entrecruza la realidad, en este caso representada en la historia de amor de cuatro jóvenes de Atenas; y la fantasía de un mundo de hadas, duendes y pociones de amor. 

La historia comienza con Egeo, padre de Hernia, convenciéndola para que se despose con Demetrio. Sin embargo, ella no acepta porque está enamorada del poeta Lisandro.  Su padre molesto, por no aceptar su matrimonio con Demetrio, decide obligarla a casarse, pero esta huye de Atenas hacia el bosque junto con su amado Lisandro para así poder casarse.

Hernia antes de huir le cuenta su plan a Elena, su mejor amiga. Ella le dice a Demetrio lo que tramaban los dos enamorados y este va corriendo al bosque para encontrarlos. Elena sigue a Demetrio, y así los cuatro jóvenes se encuentran en el bosque aquella noche.

Oberón y Titania, rey y reina de las hadas, estaban molestos debido a una pelea que habían tenido. Oberón le pide a Puck, un duende que vive en el bosque, que buscara una flor cuyo jugo vertido en los ojos hace que la persona se enamore de lo primero que vea al despertar, y así poder ponerle un poco a la reina Titania.

Puck se encontraba caminando por el bosque con la flor cuando escuchó a Demetrio decirle cosas horribles a Elena, que estaba enamorada de él. El duende decide echarle un poco del jugo mágico en los ojos, pero se equivoca y toma a Lisandro como Demetrio, haciendo que se enamore de Elena. Para tratar de arreglar su error vierte un poco del jugo en los ojos de Demetrio, pero ahora los dos están enamorados de Elena. Hernia estaba muy enojada con Elena porque pensaba que esta le había quitado a su amado Lisandro. Sin embargo, Elena pensaba que era una broma de ellos y las amigas terminan peleando.

En el bosque se encontraba un grupo de actores que ensayaban para una presentación en la boda del duque Teseo. Uno de los actores más entusiastas era Nick Botton, a quien el Puck hechizo y su cabeza transformó en una de burro. Luego colocó unas gotas de la flor mágica en los ojos de la reina Titania y al despertar quedó profundamente enamorada de Botton. El rey descubre todo lo que había pasado y le ordena a puck que arregle el problema.

Al final todos despiertan pensando que lo sucedido fue un terrible sueño. Hernia termina con Lisandro y Demetrio termina enamorado de Elena. Todos se dirigen a la boda del duque en Atenas, y esta se vuelve una boda múltiple. Y así, todos felices se sientan a disfrutar la obra interpretada por Botton, quien ya no tenía una cabeza de burro.

La tipografía

La tipografía es la técnica de selección de tipos de letras a la hora de imprimir, es un estudio  enfocado en elegir estilos de letras para que los mensajes sean mejor comprendidos. “Definimos la tipografía como el arte o técnica de reproducir la comunicación mediante la palabra impresa, transmitir con cierta habilidad, elegancia y eficacia, las palabras” (Fotonostra. 2008).  Este arte de selección de estilos ha acompañado a la lectura y escritura desde el nacimiento de la imprenta, cuando Gutenberg desarrolló los moldes de tipo basado en las creaciones previas de los chinos. 

Es con la expansión de la imprenta y de los textos impresos que los estilos de letras se ven en crecimiento y surgen personalidades que se dedican a la creación de diferentes fuentes. En 1486, Erhard Ratdolt publicó un catálogo de tipos con fuentes romanas, griegas y capitales ornamentadas y 10 años después Aldo Manuzio, trabajó con Francesco Griffo de Bologna grabando diferentes tipos romanos, griegos, hebreos y los primeros itálicos para las ediciones aldinas.

Sin embargo, es en el siglo XVI que la tipografía se encuentra en mayor apogeo, surgen otros estilos y creadores que conforman esta técnica y se dedica a clasificar los tipos, se perfeccionan las técnicas de impresión, el uso del papel.  La historia se encargó de que tanto los libros como la prensa tuvieran un crecimiento exponencial,  desde los editores de libros hasta los mismo reyes de la época estaban interesados en las diferentes tipografías. 

Las tipografías fueron evolucionando, la revolución industrial cambió la forma de imprimir y ahora los sistemas eran más rápidos, nacieron también las  tipografías Sans Serif que permiten un texto más legible y sencillo. Para este momento era necesario tener un buen conocimiento sobre los tipos de fuente, sus características y cómo podía utilizarse para llamar la atención, esto puede observarse en las publicidades que se realizaban para el momento. 

 Finalmente llega la tecnología y las tipografías pasan a un nivel digital, esto convierte a los diferentes tipos en elementos de redacción común, todos son capaces de seleccionar una fuente y escribir con ella en correos, hojas de word y hasta presentaciones. Sin embargo, solo las personas que se dedican a estudiarlas notan verdaderamente el impacto que tiene una fuente correctamente seleccionada en un texto. 

 El estilo que se selecciona al redactar un texto va a transmitir un mensaje, influir en la forma de percepción por parte de los clientes o espectadores y a determinar la presentación del trabajo. Por eso en el diseño gráfico, los estilos tipográficos deben tomarse en cuenta al momento de diseñar. La tipografía se convierte también en una forma de persuadir y atraer a los consumidores.

Fuentes bibliográficas

Staff creativa (2014) Historia de la tipografía.  En página web: https://www.staffcreativa.pe/blog/tipografia-historia/#:~:text=Alrededor%20de%201440%2C%20Johannes%20Gutenberg,los%20escribas%20de%20la%20%C3%A9poca. 

Staff Creativa (2014) Tipografía: Todo lo que debes saber.  En página web: https://www.staffcreativa.pe/blog/tipografia/

Morales. A (2005) Pautas que debe tomar en cuenta los estudiantes de al aplicar creatividad Diseño en el uso Gráfico tipográfico. (Tesis de licenciatura de la Universidad Rafael Landívar) 

Cadena, S La tipografía y su complejidad creativa.  Actas de Diseño. Facultad de Diseño y Comunicación. Universidad de Palermo. ISSN 1850-2032 

Alvarez, L (2016) La argumentación de la tipografía a medida para el diseño editorial (Tesis de Máster en tipografía avanzada. EINA Centre Universitari de Disseny i Art de Barcelona)

La psicología del color

Al observar lo que nos rodea podemos fácilmente identificar colores y tonalidades que caracterizan objetos. Pero ¿Qué es el color? Es una percepción particular de los objetos que se produce por la luz, Isaac Newton lo define como  “una sensación que se produce en respuesta a una estimulación nerviosa del ojo” por ello se dice que el color, como tal, no existe. Sin embargo, esta percepción causa de alguna forma una reacción que es visible en la conducta de las personas, y es trabajo de la psicología del color estudiar estos efectos.

Los colores son principalmente sensaciones que producen reacciones emocionales fuertes en cada persona y por mucho tiempo varias áreas de estudio se han enfocado en explicar el simbolismo e influencia de estas sensaciones. Gracias a esta cantidad de investigaciones se puede tener una conclusión de las respuestas emocionales a colores. La escuela de arte Disseny de vic explica en un artículo que “El color es capaz de estimular o deprimir, puede crear alegría o tristeza. Así mismo, determinados colores despiertan actitudes activas o por el contrario pasivas. Con colores se favorecen sensaciones térmicas de frío o de calor, y también podemos tener impresiones de orden o desorden” 

Sin embargo, la psicología del color es una área de estudio relativamente nueva y que tiene su orientación hacia la medicina alternativa. Durante toda la historia del ser humano, la relación con el color ha estado presente ya que este facilitaba la clasificación de las cosas, como plantas, químicos, materiales, entre otros. Y existieron personalidades que se interesaron  por analizar las propiedades y clasificar los colores, como por ejemplo Aristóteles, quien utilizó la relación de los colores con la naturaleza para dividirlo; Leonardo Da Vinci e Isaac Newton. 

Los principales precursores de esta ciencia fueron Johann Wolfgang von Goethe y Eva Heller. El primer personaje desarrolló una teoría del color. Según Calvo, Goethe estudió este fenómeno “primero como problema pictórico, luego como fenómeno físico y químico y, finalmente, como fenómeno fisiológico” (p 96). Su principal forma de investigación era la observación exhaustiva de lo que lo rodeaba y estaba orientado más que todo al fenómeno cromático pero de una forma menos matemática a como se había desarrollado anteriormente. 

Eva Heller también estudió el color y partiendo de las conclusiones de Goethe publicó un libro llamado “La psicología del color” donde explica el efecto de cada color en el comportamiento y pensamiento de las personas “Los resultados del estudio muestran que los colores y sentimientos no se combinan de manera accidental, que sus asociaciones no son cuestiones de gusto, sino experiencias universales profundamente enraizadas desde la infancia en nuestro lenguaje y nuestro pensamiento” (p.17, 2004)

Otra importante figura fue Ewald Hering quien realizó un hipótesis que planteaba que los colores son percibidos al ser agrupados con sus colores opuestos y para ello utilizaba los colores primarios, el verde, el negro y el blanco, en la actualidad este estudio se cosidera correcto. Igual que la comparación de opuestos propuesta por Hering a los colores se les han atribuido sentimientos que se contradicen, por ejemplo, el amarillo puede representar optimismo, celos, diversión y arrogancia, otro caso es el rojo que puede representar amor, vida, agresividad o enojo 

Otros colores tienen significados dentro de la psicología menos contradictorios como el azul que puede significar sabiduría, calma, y verdad; el blanco que se relaciona mayormente con la paz; el verde con la naturaleza, la salud y el progreso, y  por último el morado con el misticismo y la realeza. Estos significados de los colores están representados en gráficos de colores o de degradación de colores que utilizan la división de colores propuesta por Aristoteles para explicar de esa forma las emociones y su relación con el color. 

En el diseño es importante que los consumidores se sientan atraídos por el objeto, por eso el color es tan importante, con el color el diseñador puede hacer sentir al comprador eso que necesita que sienta para atraparlo. Por ello al diseñar debe tomar en cuenta, Según Moreno, que “El color, como cualquier otra técnica, tiene también la suya y está sometido a ciertas leyes, que conociendolas será posible dominar el arte de la armonización, conocer los medios útiles que sirven para evitar la monotonía en una combinación cromática, estimular la facultad de gusto selectivo y afirmar la sensibilidad” (p. 2) 

Fuentes bibliográficas 

Heller, E (2004) La psicología del color Barcelona, España. Editorial Gili, SL. 

Ecola d’art I superior de disseny de vic,  Psicología del color.  

Revista Digital para profesionales de la enseñanza (2010) Aspectos psicológicos del color Federación de enseñanza, Andalucía. 

Moreno, V .La psicología del color y la forma.  Universidad de Londres, Tesis de Diseño Gráfico.

Calvo, I.  CUATRO APROXIMACIONES A LA TEORÍA de los colores de Johann Wolfgang von Goethe.  Revista Diseña Dossier. (Pág 94 – 101)

El diseño y el arte

El diseño es la creación de elementos que cumplan con un objetivo, estos objetos se diseñan para ser estéticos y atractivos al público. Sin embargo, es importante destacar que no es arte, y a pesar de tener muchas cosas en común son mayores sus diferencias.  Ambos conceptos, el diseño y el arte, utilizan la creatividad como herramienta para presentar el trabajo, pero en cada uno utiliza la creatividad de forma diferente. 

Joan Costa, declara en el artículo “La eterna e inutil discusión” que, según su esencia, el arte se hace preguntas y el diseño resuelve problemas. Los artistas representan aquello que ven del mundo, de la naturaleza y plantean visiones de esta, haciéndose preguntas sobre su forma de ser. Mientras que el diseño observa aquello que hace falta, resaltando las necesidades y propone objetos o medios que cumplen con esa necesidad. 

El diseño gráfico tiene la misma esencia y función pero sus elementos de trabajo vienen del “grafismo” y nacen con la imprenta, esta rama del diseño se orienta a la creación de imágenes comunicativas compuestas por signos, dibujos y textos, que permiten atraer a las personas. De igual forma existe en el arte una rama que utiliza el grafismo y es el arte gráfico que utiliza como presentación el dibujo. 

Otra de las grandes diferencias entre estas dos actividades son las personas que las realizan, el artista, ya sea plástico o de otra rama es libre de llevar su trabajo hacia donde quiera. Pero el diseñador debe cumplir con ciertas condiciones para que su trabajo sea eficaz. 

Daniel Ghinaglia menciona en el ensayo “parecido no es igual” como el diseñador está influenciado por el arte y sus estilos, pero al hacer su labor observa principalmente las opciones dentro del mercado, las tendencias que atraen más a los compradores, la mejor forma de influir y sobre todo lo que solicita el cliente.

Reflexión de “Apolo o de la literatura”

El ensayo de Alfonso Reyes explica la forma que tiene de expresarse la literatura en su complejidad y belleza. El escritor comienza explicando cómo las obras literarias están conformadas por dos elementos vitales: La forma y la ficción. La primera es la realidad, experiencias del mundo que nutren la historia, tomándola casi como materia prima o molde para las ideas, y luego se agrega la ficción; una nueva visión de esa realidad que puede no ser probable, esta intención literaria es la que permite que la historia tenga un significado y que el lector se desentienda de la realidad que lo rodea. 

La literatura comunica a dos personas en diferentes procesos, al escritor de la obra quien durante su trabajo mantiene presente las intenciones, la gramática, la fonética y la estilística; y al lector quien mantiene una relación particular con el personaje debido a su propia psicología, por ello se considera a los personajes eternos. 

Durante el ensayo se mencionan las diferencias de los estilos de la literatura: El drama, la representación de las acciones de los personajes; la novela, la representación de esas acciones pero que no está realmente presente en un escenario y la lírica, la expresión más pura de los sentimientos, que utiliza la interjección y la exclamación. Estas funciones tienen también su propia forma estética: la prosa que está más presente en la novela y el verso que se encuentra más en la lírica o la poesía. 

Alfonso Reyes, menciona la importancia del saber leer, que es más que es solo pasar la vista por las letras, es un proceso mucho más profundo que él explica en cinco pasos: El primero es comprender verdaderamente lo que se está leyendo y la intención con la que está escrito, luego ser consciente de las reacciones auditivas de lo que leemos, como escuchar la voz de los personajes en nuestra mente, comprendiendo el ritmo y la entonación de las palabras; junto con esto se visualiza la escena en nuestra mente. Como cuarto paso el escritor menciona la propia memoria del lector, que relaciona lo que lee con su propia vida y por último el grado de sentimentalidad del lector que puede o no estar ligado con el que quiere dar a transmitir el escritor.

LA REALIDAD EN LA PELÍCULA MATRIX

La realidad es un concepto muy amplio y  para entender las diferentes perspectivas que se presenta en la película Matrix, primero hay que tener conocimiento sobre qué es. Todo aquello que nos rodea tanto material como inmaterial y que  podemos percibir a través de los sentidos se conoce como realidad. Esta la podemos conocer y profundizar en ella con el uso de la filosofía. Hay que tener en cuenta que es una sola, pero las personas pueden tener diferentes percepciones de esta debido a su forma de pensar.

La película trata sobre una sociedad gobernada por máquinas capaces de tomar decisiones propias y que conquistaron a los humanos. La temática nace con la guerra de los humanos contra las computadoras, como ellas dependen de la energía solar los humanos taparon el sol, pero los aparatos comenzaron  a utilizar los humanos como su fuente de energía. Se crearon cultivos de humanos que nacen, crecen y mueren para darle energía a estas máquinas.

Para lograr mantener a los humanos aprisionados, las computadoras construyeron un programa llamado “MATRIX” en el cual los seres humanos, que en realidad viven como dentro de un sueño, creen tener vidas totalmente normales. En este sistema los humanos trabajan, estudian, duermen y realizan todo tipo de acciones normales sin saber que son observados por agentes y que existe una especie de “resistencia” que tiene como misión sacarlos de la Matrix y vencer a las máquinas. 

 En la película hay dos grupos que perciben la realidad  de forma diferente debido al lugar en el que se desenvuelven, lo que pueden observar y el conocimiento que tienen sobre la realidad que se encuentra fuera de la Matrix. Estos grupos son: los humanos que ven  la Matrix como la realidad y la resistencia que tiene conocimiento sobre lo que es en realidad este programa y que pueden entrar y salir de él para reclutar personas que pueden ver lo raro que es “su realidad”.

Neo, el personaje principal de la película comienza siendo parte del primer grupo, un hombre que trabaja con computadoras y que poco a poco comienza a notar ciertas cosas raras que no coinciden o que no se sienten como reales. En su búsqueda por conocer la verdad conoce a Trinity y luego a Morfeo, ellos son miembros de la resistencia y son quienes lo guían y le muestran la realidad. 

A pesar de que desde el comienzo Neo busca conocer cuál es la verdad de todo lo que lo rodea, le cuesta aceptar y entender completamente el mundo real que es dominado por máquinas, más aún cuando se le considera “El elegido”. No todos los personajes se sienten cómodos con la realidad y la forma de vivir fuera de la Matrix, es por esto que uno de los personajes decide traicionarlos para  que los agentes lo regresen a la Matrix, le borren la memoria y poder vivir la vida de otra forma. 

A pesar de que la realidad es todo aquello que rodea al ser humano, la Matrix no puede no puede considerarse como una realidad sino más bien como un sueño, pero al haber personas que no pueden  despertar de él lo consideran su realidad. 

Teniendo en cuenta estos casos podemos decir que uno de los factores que más influencian nuestra forma de percibir la realidad es nuestro conocimiento sobre ella porque, como lo muestra la película, si no se tiene conocimiento sobre cual como es la realidad y sus elementos se puede caer en un engaño o en manipulación. 

Otro elemento que también pueden afectar a la forma en la que se aprecia o se maneja  la realidad es la cultura compartida que se tiene con personas conocidas, por ejemplo Neo maneja cierto lenguaje sobre la computación y los sistemas que le permite entender de mejor manera la forma en la que manipulan la verdad en la que viven y cómo funciona la Matrix.

 La personalidad y los sentimientos son factores que podrían conformar la forma en la que percibimos la realidad, cada persona tiene sus propias creencias, su forma propia de analizar las situaciones en las que se encuentra día  a día y es capaz de decidir. Un ejemplo de esto es cuando Neo al fin logra ver completamente la Matrix de su manera particular y por eso logra convertirse en el elegido. 

Las experiencias también podrían  considerarse como un factor que puede influenciar a la forma en la que se aprecia la realidad, ya que a pesar de que se tiene cierto conocimiento las experiencias vividas ayudan a crear una forma de actuar en la realidad. Por ejemplo en la película la escena donde Neo tiene que saltar de un edificio a otro. 

A pesar de saber que está en un programa de simulación donde la gravedad  puede no existir o no con los mismos términos, sus experiencias e instintos  dentro de la matrix como un humano común sobre las caídas le impiden que el nuevo conocimiento sea el que dirija las acciones. 

Podemos concluir que la realidad es un aspecto de la vida cotidiana que se encuentra en todos lados y que cada persona percibe de manera diferente debido a su forma de pensar, sus experiencias, su cultura y el conocimiento que posee de esa realidad. Esto lo ayuda a crear un concepto o una visión de la realidad en la cual puede desenvolverse y actuar conforme a ella.

La publicidad durante el fascismo

Se le conocía en Italia como “Il Doce” que se traduce como “El líder”. Fue un dictador militar en Italia. Desde 1922 hasta 1943 ejerció políticamente como primer ministro pero con poderes dictatoriales. Posterior a su encarcelamiento, del cual se liberó gracias a la Alemania Nazi, se convirtió en el presidente de Italia hasta 1945. Estaba en contra del socialismo, del comunismo y del liberalismo por lo que impuso el militarismo, y utilizó el nacionalismo como herramienta para mantenerse en el poder y crear el Fascismo. 

En el año 1944, el periodista y escritor George Orwell realizó un análisis publicado en la revista Tribune sobre el término “fascismo” debido a que muchas personas lo definen de formas muy diferentes y mencionó en el artículo “Es imposible definir el fascismo satisfactoriamente sin admitir lo que ni los fascistas, ni los conservadores, ni los socialistas de cualquier color no quieren admitir.” 

El fascismo se basa en un régimen totalitario de extrema derecha, donde la población se deja conducir por el fanatismo, la discriminación racial y siguen únicamente a un líder que maneja todo el poder, dejando de lado los controles gubernamentales. Durante este régimen se utilizó a la milicia, para que empleara la violencia para dominar  las masas y  contra todos aquellos que pensaran diferente al “Doce”. La violencia comenzó con un grupo voluntario de milicia conocidos como los camisas negras, quienes se convirtieron en protagonistas de violencia contra sus adversarios políticos. 

La propaganda de Mussolini destacó porque utilizó los medios de comunicación para beneficiar y controlar la imagen que se tenía del fascismo, él comprendió que la propaganda y contacto directo con la población eran la clave para mantenerse en el poder por esto, las concentraciones de masas cargadas de simbolismo y donde Mussolini daba constantes discursos eran las que tenían mayor influencia en la sociedad italiana. 

Este tipo de propaganda utilizaba principalmente el color negro, los colores de la bandera italiana verde, blanco y rojo y por último el color amarillo, que hacía referencia a la estrategia propagandística llamada “la batalla del trigo”. Contaba con mensajes directos y sencillos por lo que entender la línea ideológica era muy fácil, incluso sin poseer estudios. Debido a la efectividad de la propaganda el pensamiento fascista se encontraba en todas partes, en las calles, la prensa, radio, televisión y hasta en eventos internacionales de gran importancia como el mundial de fútbol de 1934. 

Vemos como en los carteles representaban a hombre jóvenes con uniformes militares, similares físicamente a Mussolini y que demostraban fuerza o mostraban a niños con armas que luego servirá como adultos fascistas preparados para luchar. Los carteles también llevaban mensajes donde exaltaba a Italia, representaban las ventajas y los logros del fascismo en el país e idolatraban a Mussolini; Uno de los mensajes más significativos era: “fascismo, un estilo de vida” 

Por otro lado, el discurso fue el método propagandístico más influyente, se realizaban concentraciones de centenares de personas para escuchar hablar al “Doce” en las plazas, bailes públicos, desfiles. De esta forma el dictador lograba que sus discursos fueran más cercanos y emotivos para las personas destacando el nacionalismo, la fuerza e importancia de Italia en Europa. “En los mítines, la habilidad del orador Mussolini alterno lapsos de tensión discursiva como comentarios relajados, manteniendo la multitud expectante como hipnotizada.” (Salas, página 10) 

 Tal y como en el discurso llamado “A los camisas negras” que presentó en Roma.

Camaradas de la Urbe ! A través de vosotros he querido hablar al pueblo italiano, al auténtico, al verdadero y grande pueblo italiano, el que combate como león en los frentes de batalla de tierra, mar y aire. El que a la salida del sol está de pié para el trabajo de los campos, de los talleres, de las oficinas. El que no se permite los más inocentes lujos. No hay que confundir a ese gran pueblo con una exigua y deleznable minoría de bien identificados holgazanes, llorones y antisociales que gimen sobre los racionamientos y lamentan las suspendidas comodidades. El pueblo italiano, el pueblo fascista se merece la victoria y la tendrá”.(Mussolini, 1941)

El psicólogo Erich Fromm explica el porqué este tipo de concentraciones afectan tanto la opinión crítica  “ Al identificarse la persona con movimientos de masas, exterioriza sus problemas internos, la persona puede sentirse cómoda formando parte de una multitud.” y William Mcdougall menciona “ mientras más fuertes sean las relaciones de comunidad, tanto más llamativas son las manifestaciones del alma de la masa”.

Por último, tenemos la prensa que como se nota en todas las dictaduras, está censurada y no es libre de publicar cualquier tipo de textos, sino que estos deben pasar por revisión previa. Durante el Fascismo se colocaron periodistas fieles al régimen y se creó el Sindicato Nacional Fascista de Periodistas. Entre las normas se establecia: 

 “No se permite ningún artículo suelto sobre situación política”,“Los títulos no debían ser interrogativos” “La crónica del viaje del Duce deben ponerse en la primera página, parte superior derecha”. (León, B. 1954).  Todas estas reglas imposibilitaban totalmente la libre expresión y la crítica abierta hacia el régimen y al solo mostrarse textos alterados, la población estaba más expuesta a la manipulación. 

El fascismo realizó campañas creativas las cuales desarrolló en momentos claves tanto para dar una buena imagen como para influir en la sociedad italiana. En el Mundial de fútbol de 1934, Mussolini vió una oportunidad para demostrar al resto del mundo que el fascismo italiano era un éxito y para esto utilizó la mejor propaganda, con panfletos estéticamente similares a los del Partido Nacional Fascista y que representaban a jugadores saludando al Duce, también se realizaban saludos durante el partido. La competencia se realizó en Italia y fue también el equipo italiano el que ganó la copa mundial de ese año y de cuatro años más tarde en Francia. 

Asimismo, llevaron a cabo la conocida “Batalla del trigo” que pretendía aumentar la producción agrícola y que se dejaran de importar alimentos de otros países, para esto el dirigente realizó tanto un discurso en el cual manifestó su interés por:  “liberar al pueblo italiano de la esclavitud del pan extranjero”. También se tomó fotos trabajando en el campo. Los anuncios de esta campaña eran de personas trabajando el campo y destaca principalmente el color amarillo por el trigo, también se veían animales en las imágenes. 

El 28 de abril de 1945, falleció mussolini por fusilamiento y luego fue colgado boca abajo en la Plaza Loretto de Milán donde los italianos se enfurencian con su cuerpo, esta situación representó el fin del Fascismo en Italia y con ello su último acto propagandístico donde la gente se reunió en una plaza para ver a Benito Mussolini pero esta vez muerto. 

En la Italia actual y en el mundo se puede ver como se sigue malinterpretando el término “Fascista” y como, debido a la fuerte propaganda que se realizó muchos italianos todavía consideran a Mussolini como un héroe que cometió algunos errores. Esto lo explica el escritor e historiador Francesco Filippi en una entrevista para BBC, “Seguramente, la madre de todas las fake news sobre Mussolini es la que pinta al “Duce” como un dictador bueno, que quiso a su pueblo, como si hubiese sido un padre para toda la nación.Si hay algo que el fascismo hizo muy bien fue hablar de sí mismo”

El fascismo dejó técnicas de propaganda que se siguen utilizando hoy en día, como la forma de expresarse y mantener el contacto con sus adeptos, se ve principalmente a través de Twitter, donde presidentes hacen comentarios, colocan ideas políticas e informan algunas decisiones. 

“Esta forma vertical de comunicar es la versión 2.0 de la revolución comunicativa de Mussolini: sus eslóganes funcionaban tan bien en las plazas de los años 20 del siglo pasado como lo hacen ahora en las plazas virtuales” ( Francesco Filippi, 2020)

En conclusión, la propaganda de Benito Mussolini fue muy fuerte, sencilla, con una identidad gráfica clara  y efectiva con sus mensajes para lograr conseguir seguidores, aunque estos fueran más similares a fanáticos. También sirvió para mantener el control por la fuerza. Aunque muchos intenten aplicar algunos de sus métodos y  sus efectos no se han podido borrar del todo en la mente de las personas que lo vivieron, esta forma de conseguir seguidores, que es más similar a la manipulación,  carecía de libertad, honestidad, libre expresión y de una opinión crítica que lo fundamentara

Fuentes Bibliográficas

Culturizando.com (2020). Lo que debes saber de Benito Mussolini. Recuperado de https://culturizando.com/lo-que-debes-saber-sobre-benito-mussolini/

Enciclopedia de Historia (2018-2020) Fascismo. Recuperado de https://enciclopediadehistoria.com/fascismo/

Kamchatka (2020) George Orwell ¿Qué es el fascismo? Recuperado de https://www.kamchatka.es/es/orwell-fascismo

Anabel Serrano (2012) Propaganda de la italia fascista. Prezi. com Recuperado de https://prezi.com/apmgeusrkkjp/la-propaganda-de-la-italia-fascista/

Tapiz, J (1936). IMAGEN Y PROPAGANDA: EL FASCISMO ITALIANO EN LA PRENSA VASCA. MONOGRÁFICOS SINOELE

Metapedia (2019) Discursos Memorables de Mussolini. Recuperado de https://es.metapedia.org/wiki/Discursos_memorables_de_Mussolini?

Historias 1000 (2018) Mussolini, La batalla del trigo. Recuperado de http://historias1000.blogspot.com/2018/04/mussolini-la-batalla-del-trigo.html

Salas, L. (Sin fecha) El Fascismo Italiano: manipulación de la propaganda en el fascismo mediante la utilización de técnicas con alto contenido simbólico asociado al elemento identitario italiano. Costa Rica, Revista de trabajo social. 

León, B. (1954). El Fascismo por dentro. Editorial  Bases Buenos Aires Argentina.

Attanasio. A (28 abril de 2020) Benito Mussolini, a 75 años de su muerte | “La gran mentira sobre Mussolini es que fue un dictador bueno que quería a su pueblo: fue él quien mató a más italianos en la historia del país”. BBC News, Recuperado de: https://www.bbc.com/mundo/noticias-internacional-52447027

La trascendencia del arte clásico y medioevo

El arte es una forma de expresión y comunicación de los sentimientos y las experiencias de los artistas. Este ha sido utilizado desde el periodo de las cavernas como medio para  revelar aspectos sociales y también de registro, tanto de las emociones y culturas como del desarrollo de una civilización, sus creencias y lo que consideraban belleza. 

La belleza se ha manifestado de maneras variadas a lo largo de los años y van ligadas con la cultura, la época y el individuo que realiza la pieza. Hoy en día podemos apreciar esas obras, que conservan los ideales y vivencias de estos pueblos y entenderlos, gracias al estudio del tipo de expresión artística que realizaban y cuáles eran los símbolos mediante los cuales plasmaron arte. En la actualidad entendemos esto con la ayuda de la historia.

Uno de los tipos de arte más conocidos e imitados, sin importar el paso del tiempo, es el clásico que destaca por tener dos corrientes culturales, la griega y la romana, a pesar de ser similares en varios aspectos mantenían distintas formas de creación. El arte griego se desarrolló en la Isla de Creta entre el II y III milenio a.C y se asocia a la naturaleza y religiosidad cretense. Una de sus estructuras arquitectónicas más conocidas fueron las ciudades amuralladas Micenas, Tirinto, Orcómenos y Filos. 

Esta civilización desarrolló un nuevo concepto de arte de sentido humanista  era el reflejo de la vida social del hombre concibiendo dimensiones humanas. Se originaba en la filosofía y la ciencia, también se desarrollaron los cánones, dimensiones estándar o normalizadas que reflejaban el tipo de belleza que idealizaban. Trabajaban sus estructuras y edificaciones con la percepcion áurea; una forma de lograr la “perfección” visual y matemática trabajando con el equilibrio, el orden y la simetría de los objetos.

Por otro lado, el arte romano se ve influenciado por la civilización etrusca y la griega. Sin embargo este tiene un  sentido práctico y utilitario, donde la perfección va de la mano con la solidez y sentido ornamental. Este tipo de arte destaca por su inclinación al urbanismo el cual se hace presente en la arquitectura, donde podemos encontrar los arcos, coliseos y acueductos. Los romanos utilizaron en sus obras los mosaicos, Vidrio fundido con óxidos de metal para representar personas o momentos.

El impacto que tuvo el arte clásico en la sociedad fue muy grande, ya que a partir de este periodo se forma la base de la cultura europea, una sociedad interesada en la perfección de la forma, la representación del intelecto humano y la construcción de ciudades imponentes que siguen sorprendiendo hoy en día con su técnica y maravilloso ingenio, cambiando la manera de representar el ser humano en sí y su entorno. Gracias a este estilo hoy en día tenemos más conocimiento acerca del vidrio, la pintura, los colores y la simetría de los objetos, la cual se sigue aplicando en la actualidad. 

Por otro lado, tenemos el arte del Medioevo, o arte medieval que incluye el paleocristiano, bizantino e islámico. Este se desarrolla en la edad media, entre los siglos IV al XI cuando el imperio romano entra en decadencia, así que la Iglesia se mantiene como única fuente cultural e intenta preservar  el legado artístico de roma, lo que lleva al aumento de la construcción de iglesias por toda Europa y grandes monasterios, también influye el auge cultural, económico y social que experimenta el pueblo árabe.

En el arte paleocristiano se puede observar la decadencia de la cultura clásica por las invasiones y cruzadas,  lo que produce la existencia de pocos artistas e intelectuales, ocurren  destrozos de centros culturales y comienza una época muy rudimentaria, con poca innovación y que trabajaba con características elitistas. Se representaba por medio de figuras planas carentes de fondo, que transmitían una realidad espiritual con un lenguaje accesible para los seguidores, para que lo pudieran interpretar en las catacumbas y basílicas escondidas. Este periodo estaba cargado de simbolismo y sencillez iconográfica. 

En el arte bizantino, se retoma el uso del mosaico pero en esta ocasión con incrustaciones de oro, plata y piedras preciosas. Sus representaciones son figuras casi inexpresivas, estas obras cuentan con gran luminosidad y es regido por un tema teológico, expresando sobrenaturalidad. Por su parte, la cultura islámica empezó a desarrollarse más y a difundir una nueva religión, predicada por Mahoma. 

En este estilo no se puede representar el Dios único en el que creen los musulmanes. Es iconoclasta. La ornamentación geométrica siguió el trabajo de los matemáticos árabes, los más notables del mundo medieval.

 Es un arte que emplea efectos de luz, contrastes de color para conseguir sensaciones. Decoraban sus templos con formas simples pero con un alto grado de complejidad en su  caligráfica, vegetal, geométrica, arabesco y escasamente figurativa, utilizaban objetos esencialmente utilitarios. 

El arte medieval brindó al mundo artístico una visión más espiritual y religiosa en la cual la sociedad se relacionaba con pinturas y esculturas bastante frías y distantes. La influencia de las iglesias en el arte hacen de este periodo un ejemplo de control artístico muy significativos, ya que es ahí donde todavía se puede observar el estilo de este movimiento artístico. De esta época se aprendió la característica simbólica del arte y su capacidad de influenciar sentimientos con el uso de luces y formas. 

Los estilos artísticos antes mencionados han influido en la forma en la que se aprecia el arte en la actualidad y sus funciones de expresión. Hoy en día los artistas pueden utilizar las técnicas de estos estilos y  encontrar inspiración a partir de ellos, lo que se hizo por muchos años, como por ejemplo, cuando comenzó el renacimiento, según JJ Martín (1974)  en su libro historia del arte, “De Grecia se imitó el espíritu (neoplatonismo), y de Roma, las formas artísticas” pág. 7

Luego del renacimiento el arte se comenzó a apreciar más como una forma de expresión  que como una forma de transmitir un pensamiento religioso. podemos notar que  luego del clasicismo la percepción áurea se sigue utilizando en muchas estructuras por influencia de los tiempos clásicos, y tienden a predominar los planos centrales. Logramos observar que en la arquitectura hay edificaciones que han imitado los estilos de la edad media, siendo el preferido el gótico, aunque también podemos apreciar, a menor escala, la influencia del románico y el bizantino. 

La trascendencia es una de las características del arte más llamativas, es la cualidad  de hacer sentir sus efectos o tener consecuencias en un lugar o medio distinto de aquel en que se produce. Estas obras se mantienen vigentes y las podemos visualizar, estudiar y a partir de ellas entender esos  momentos históricos. De igual manera se puede simplemente tomar inspiración en su forma de creación para elaborar nuevas piezas de arte, como hacen los artistas más recientes. Se dice que el arte imita a estilos anteriores o rompe los paradigmas establecidos por la sociedad, pero de cualquiera de las dos formas el arte se mantiene y perdura. 

Fuentes Consultadas

         Presentación de la clase de Historia del arte. clases 2 y 3 

Hayman, D (1961) El arte como elemento de vida.  

     París. El correo de la  Unesco. capítulo 1. Página 5 

Martín González, JJ (1974)  Historia del Arte. Madrid. Editorial Gredos, S.A

Que es el/la (2019). Arte clásico  [Foto en un blog]. Recuperado de: https://queesela.net/arte-clasico/

Foto Nostra (2019). La sección Áurea  [Foto en un blog]. Recuperado de: https://www.fotonostra.com/grafico/reglaaurea.htm

Enciclopedista (2019). El arte romano [Foto en un blog]. Recuperado de: http://www.escuelapedia.com/blog/el-arte-romano/

España es cultura (2019). Museo Nacional de arte romano  [Foto en un blog]. Recuperado de: http://www.xn--espaaescultura-tnb.es/es/museos/badajoz/museo_nacional_de_arte_romano_de_merida.html

Invernizzi arte (2017). Historia del arte: Arte paleocristiano y Bizantino  [Foto en un blog]. Recuperado de: http://invernizziarte.blogspot.com/2017/08/arte-paleocristiano-y-bizantino.html

Carta a mi yo del futuro

He pensado mucho en ti últimamente, en cómo serás y que pensarás de mí. En momentos así no puedo evitar sentir ansiedad y algo de emoción, como sabrás quiero que seas la mejor versión, quiero que te sientas tan bien acerca de ti misma que cuando voltees y pienses en mí, te sientas satisfecha, completa y que no tengas ningún arrepentimiento. 

Sin embargo, me encuentro en un gran dilema debido a ti. Te visualizo de tantas maneras, graduada, trabajando de lo que más te gusta, escribiendo, con comodidades para que puedas disfrutar más y con responsabilidades suficientes para que sigas creciendo, sobre todo te imagino radiantemente feliz. Pero me inquieta la posibilidad de que no exista y no puedo evitar preguntarme si en algún momento me convertiré en ti

Para que tu seas así, tal y como te visualizo, yo tengo que dar todo de mí, estudiar, trabajar y aprender todo lo que pueda. Hay muchos que dicen que debo relajarme y pensar en el ahora, que no has llegado y cuando lo hagas no me daré cuenta pero tengo la fuerte sensación de que si no pienso en ti jamás te voy a alcanzar y deseo con todo mi corazón llegar a ti. 

Eres la causa de mis desvelos, la razón por la cual amo tanto lo que hago y trabajo tanto para complacerte, eres el sueño y de vez en cuando las pesadillas, eres la ansiedad y también la inseguridad, eres todo y al mismo tiempo no existes, eres una complicada combinación entre mis expectativas, mi inconformidad y mi imaginación. 

Y ahora que sabes esto, aunque ya lo sabías, te pido solo una cosa: No te arrepientas, y es que puedo esforzarme y soportar todo, con la idea de que en un futuro no voltees y te arrepientas. Con solo imaginarte decepcionada de esta faceta de tu vida pierdo la fuerza, así que sin importar cómo se desarrolle y lo que depare la vida tu sigue siendo feliz por estar en ese punto de la vida. 

Por mi parte, prometo no pensar tanto en ti, disfrutar un poco mas de mi tiempo, brindarte los mejores recuerdos que pueda y ser feliz conmigo misma y lo que a mi me toca vivir. 

Atentamente, tus yo del pasado.